The Spanish edition of Forbes, the influential American media company focusing on business, investing, technology, entrepreneurship and leadership has been published by Spainmedia editorial house since 2012. I built and directed the video department from 2018-2020, where we developed some video series, like:

#ForbesTalks aimed to explore some questions with entrepreneurs or business people: What is entrepreneurship? What do I expect from my bank? or some inquiries around being a professional woman in the Spanish media, were some of them.  

#ForbesTV was a video platform for the most influential guests of Forbes Summits (since 2017), where they were interviewed and reflected on some of the main topics of the day: public/private healthcare, women in business, the digital revolution for businesses, etc.

#ForbesWatches and #JustInTime covered, in 2019 and 2020 respectively, the latest news of the Watch world: new models, fairs to come, recently open stores, etc.

Here’s just a selection of my personal favorite Forbes videos I directed.

︎ YouTube

The Spanish edition of T Magazine, The New York Times magazine focusing on exclusive fashion, art, design, food, interiors and travel, T Magazine Spain, has been published by Spainmedia editorial house from 2017-2020. I built and directed the video department from 2018-2020. We developed some video series:

#TProcess aimed to explore the meaning of art and design, and hear about the creation processes of distinguished artists like Ron Arad, Óscar Mariné, Eugenio Ampudia or Simmon Said, but also of emergent cultural projects like Salón Saloncito.

#TObjects was an audiovisual tribute series of those wonderfully-designed objects, furniture companies or design brands that we loved. 

#TMeets covered video interviews of those personalities who enriched the Spanish cultural world from different angles. We met Ter, a mediatic YouTuber and Architect.

In #myfavitems our interviewed guests were asked to bring and show their most beloved (or needed) objects. 

Here’s just a selection of my personal favorite T Magazine Spain videos I directed.

︎ YouTube
︎ Instagram



















I also wrote a few articles for T Magazine Spain. To take a read: 

︎ Rescatar el abandono 

︎Siete años de un salón para el arte independiente de Madrid

Tapas Magazine, aka “Ñam Ñam Magazine”, is the gastro-loving creation of Spainmedia editorial house, winner of 2016 Premio Nacional de Gastronomía. Focusing on the best-quality food and gastronomy, lifestyle and culture, I built and directed the video department from 2018-2020, and created a few yummy video series: 

#TapasStories aimed to cover in-depth reports on some topics. For instance, we explored those rare international restaurants in Madrid serving breakfast from their homecountries

#TapasBestChiringuito was an audiovisual tribute series of the best beach bars (aka chiringuitos) throughout the wide Spanish shore

#TapasInterview was a series of interviews with the best chefs of the country: Martín Berasategui, Joan Roca, Ferrán Adriá, etc. 

#TapasTalks was a fun series of quick questions asked to prestigious chefs and journalists

Here’s just a selection of my personal favorite Tapas videos I directed.

︎ YouTube
︎ Instagram








And I also wrote an article for Tapas Magazine, here it is!

 ︎48 horas para soñar el mejor Cáceres 

Man On The Moon Magazine was the men-lifestyle magazine creation of Spainmedia. ‘A Magazine for men with big dreams’ was its motto and it was published between 2018 and 2019. I was the creator and director of the video department during that time. We created a few beloved video series: 

#Ihaveadream was a beautiful 1-min-video where our guests (politicians, actors, journalists, photographers) could share their dreams with us 

Our Fashionfilms, linked to the MOONWALK fashion section of the magazine, were the most cinematic of our production

Here’s just a selection of my personal favorite MOM videos I directed.

︎ YouTube
︎ Instagram

After several years of an intense reformation, the iconic Ritz Hotel in Madrid (1910) reopened its doors in 2021 under the name of Mandarin Oriental Ritz, Madrid. I directed and edited the video campaign for its social media since 2020.  

On one side I directed several videos covering artists and brands that have participated in the broad new hotel project, such as photographer Paula Anta, centenary bonbon brand La Pajarita, or Madrid-London branding agency Mothership, who has been in charge of the restaurants brand image, etc. 

On the other hand, we covered those other legendary brands or shops that have existed for centuries in Madrid, which represent the capital’s essence as well as the iconic hotel. 

And also, we made faster clips to make you look forward to visit the hotel and its impressive spaces and gastronomic experiences. 

Team: always Victoria Gee.  
 

︎ Instagram

Work: Participation in collective exhibition
Location: Centro Damián Bayón - Instituto de América (Santa Fe, Granada)
Date: December 2022

Work: Photobook
Location: Spain and France
Date: 2016 - today
Keywords: historical memory, Spanish Civil War, exile, concentration, family album 
Coming soon

︎︎︎Download dossier 
The theoretical investigation around Ojos Melados firstly constitued my Final Degree Thesis (History Degree, URJC, 2018) with a final score of 9,7/10. This historical research was carried out from different points of Spain and France and addressed the subject of Spanish exile in France and the French concentrationary phenomenon. Later, in a more visual approach, and reflecting about the materiality of the photobook and the uses of contemporary photography, the project also became my Final Master Thesis (UCM-UAM-MNCARS, 2020), scored 9/10 and being now part of the best TFMs of Universidad Complutense de Madrid. 
Project shortlisted in BUP Award 2022
Project reviewed and improved during the course CAMPO Fotolibros 2022

EN/ES

Irse y habitar (2018)

Work: Final Thesis of Journalism Degree (Universidad Rey Juan Carlos, 2018), 10/10 with honors.
Location: Spain, England, Germany, France and Viet Nam
Date: 2012 - 2018

Audiovisual project and Photobook
Designed by Laura Tapia in 2018
Second edition May 2020
Methacrylate + imitation black leather, 210 x 210 mm, 82 pages
Printed in Saal, Röttenbach, Germany
Artisanal/manual re-bookbinding in December 2021 (Taller de Libros de artista, UGR) and incorporated 2 collographies on both cover and back 


2012.
‘Irse y habitar’ is an audiovisual project that explores the concepts of exodus, home and youth. This photobook is the result of an intervention of my photographic archive, which gathers photographs taken between 2012 and 2017, far from my original home, Santa Fe (Granada, Spain).

What does the word home mean for the young Europeans in the 21st century? Globalization and internationalism, do they blur our concept of homeness or do they reaffirm it? Does our national identity also get affected? What is home? What do we miss when abroad, who? What does leaving mean to us? How do we build a sense of home? How do we develop a feeling of belonging? How many places can we belong to? How many people can we belong to?

Personal Projects (ongoing)

 

︎Outside & Inside Spain

︎People

︎Architecture

︎Them

Outside & Inside Spain

Locations: Granada, Madrid, Havana, Sa Pa, Galicia, Rome, Nauplia, New York City, Berlin, Paris, Córdoba, Bilbao, Samaniego
Date: since 2017

Outside & Inside Spain is an ongoing project that focuses on travel photographs, landscapes, and shots of charming details of those outside and inside spaces I have visited or lived in, both inside and outside my home country.

Most of these are analogic pictures taken with my 35mm 90’s Minolta.

        

︎Crítica académica en el marco del Máster del MNCARS
Abril de 2019

Título exposición: Tarros de chutney
Fecha: 22 de Febrero de 2019 a 21 de abril de 2019.
Dirección: La Casa Encendida. Ronda de Valencia, 2, 28012 Madrid, España.
Artista: Bobby Baker
Comisaria: Clara Zarza

Todas las (dolorosas) reivindicaciones de Bobby Baker 

La Casa Encendida de la fundación Montemadrid acoge desde el 22 de febrero hasta el 21 de abril la primera exposición en España de una artista feminista, multidisciplinar y singular: Bobby Baker. Titulada Tarros de chutney, se trata de una muestra comprensiva y retrospectiva de la carrera de la artista inglesa, conocida en el extranjero por sus sarcásticas performances, y por un arte que trata la vida cotidiana, la del hogar, la del “adentro” que todos nosotros habitamos y que, lejos de ser insignificante y vulgar, se puede y debe reivindicar.

La muestra se extiende a lo largo de una gran sala que comienza con un par de pinturas de osos de peluche, que cuelgan de una pared forrada de un papel de rayas blancas y verdes. No es casual: esta pequeña escena invita ya al espectador a comenzar una inmersión en el universo doméstico e íntimo del hogar, en una casa corriente que no se abandonará en toda la muestra.

La primera parte de la muestra, dedicada a su primera producción

Su producción, que se encuadra fundamentalmente en unas décadas de los años setenta y ochenta marcadas por el pensamiento postestructuralista, abarca dibujo, perfomance, acuarelas y grabados. Dos series son singulares dentro de su producción de dibujos: la de Timed Drawings, dibujos cronometrados por esa artista tan intensamente pluriempleada como también madre, y ama de casa. Y posteriormente, mucho más emotivos y duros son sus Diary Drawings, una serie que se extendió durante más de once años, comenzando en 1997, cuando Baker ingresó en un centro de día como paciente psiquiátrica tras haber sufrido una fuerte crisis mental. En varias entrevistas ella misma lo aborda: la extenuación de sacar todo adelante puede acabar suponiendo mayores problemas, obstáculos que la mente agotada no es capaz de superar. Estos dibujos, usados como diario y quizá también como terapia, hablan de las relaciones con los otros pacientes, con los médicos, y consigo misma, de ese mundo interior a veces aterrado, a veces desesperadamente triste, o en ocasiones recorrido por algún ápice de luz y de claridad, de amistad, de amor.

Baker ha cocinado tartas gigantes representando a su familia a tamaño real, ha recorrido las calles de Londres en un camión gritándole a los transeúntes a través de un megáfono: “¡Calmaos! ¡Recobrad la compostura!”. Pero, sin duda, lo más hilarante de su obra fueron sus performances. Aclamada fue Drawing on a Mother’s Experience (1988), que años después retomaría como Drawing on a (Grand) Mother’s Experience. En ella, siempre ataviada con su uniforme de bata blanca, a imitación de Joseph Beauys como ella misma confiesa, desarrolla situaciones absurdas manipulando alimentos y hablando sobre cotidianidades u otros temas como los terrores de la maternidad. En cierta entrevista, Baker afirmaba que, como graduada de la prestigiosa Central Saint Martins, su objetivo nunca fue el de hacer humor o provocar la risa entre los espectadores de su trabajo. Sin embargo, cuenta también, con el tiempo aceptó esta reacción como algo positivo y natural que no debía intentar evitar.

Escena de su aclamada performance Drawing on a Mother's Experiencie

Bobby ha ocupado, como lo hacemos todos, varios espacios sociales a lo largo de su vida, como son los de ser mujer, de clase media, británica, madre, artista, paciente psiquiátrica, y enferma de cáncer. Todo ello la ha llevado a lugares, estéticos, mentales, y artísticos que ahora quedan reflejados en esta muestra. En lo que se refiere a su feminidad, Baker ha reclamado siempre lo personal como político, ese terreno en el que se juegan las relaciones de poder. Ese reclamo pasa por la reivindicación del tradicional espacio de la mujer en el hogar, como gestora, como guardiana del orden y de la paz, garante de las finanzas domésticas y de tantos otros asuntos del interior de la casa, tan elementales para el buen desarrollo de la vida fuera de ella.

A este universo interior se aferró Baker, haciéndose cargo de todo él, a pesar de ser también artista. Y lo llevó a último término. Realizado expresamente para esta exposición, podemos disfrutar del llamativo mural que actúa de puntapié inicial para lanzar el Partido Doméstico Revolucionario del siglo XXI (Epic Domestic), nuevo y, por ahora, último proyecto de la artista y última obra del recorrido de la exposición.

Mural para el partido Epic Domestic

El título de la exposición, Tarros de chutney, hace referencia a la pasión de la británica por hacer conservas caseras, su pasatiempo preferido cuando sus hijos todavía eran pequeños y se sentía desperdiciada, sin propósito vital al quedar relegada a ese espacio doméstico. Como trabajo similar por temática al de Baker, podemos mencionar la revista editada en nuestro país titulada No puedo, “que recupera el espacio doméstico como lugar para el no-hacer femenino y perfila la casa como espacio activista”, un giro también interesante a este arte que hace “desde dentro”.

Tarros de chutney es una exposición conmovedora, y de un enorme valor por su capacidad de llevar al espectador de vuelta a casa, a reflexionar sobre ella. Y no solo sobre la casa, sino sobre todos esos temas incómodos que habitan la vida corriente, como la maternidad, la dignificación de la profesión de ama de casa, el pluriempleo, el agotamiento de ser mujer (o de simplemente estar vivo en estas sociedades frenéticas), la agonía mental, la ayuda psiquiátrica y otras problemáticas tan humanas, quizá tan femeninas. Bobby Baker, sin quererlo, además de monstrárnoslo, nos ha enseñado a reírnos de todo ello.︎

︎Artículo publicado en la sección Arte de la versión digital de The New York Times Style Magazine Spain 

26 de febrero de 2020

Lee el artículo completo aquí

Siete años de un salón para el arte independiente de Madrid


Estas líneas, y el vídeo que las acompañan, versan sobre un salón. Un salón de una casa familiar. Tres niños y dos adultos son los habitantes de ese salón, y del resto del domicilio sito en la calle Guillermo Rolland, 3, 1o izquierda.

Este salón mira, por sus dos balcones, a la Escuela Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales. Por sus dos accesos mira también al recibidor, lleno de libros, ropa y algunos cuadros.

Antes de esta familia, vivía aquí un pintor, probablemente uno de los primeros en salpicar de arte el precioso suelo hidráulico que aún sobrevive algo desvencijado. Pero no haremos aquí una historia de esta vivienda ni del imponente edificio que la acoge en el madrileño barrio de Ópera. Eso ya lo hizo la artista Claudia Claremi con su obra “La planta” allá por 2014.

Más que por los otros cuatro, este salón es habitado por Ángela Cuadra, madre, artista plástica y docente. En este luminoso estudio de paredes blancas y altos techos produce sus collages y otras obras. Y hace ahora siete años cuando, además de salón para cenar con amigos del gremio y estudio para crear, quiso convertir esta habitación con dos accesos, dos balcones, y dos radiadores, en una galería periódica, en espacio expositivo al servicio de los productores de arte independiente de la capital.

Nació, así, el proyecto curatorial y expositivo Salón Saloncito, o simplemente Salón. Surgió como una pulsión, como algo experimental, una prueba que Ángela encargó a Bernardo Sopelana, que debía comisariar una exposición del joven artista y científico Pep Vidal. “En nuestras salidas al extranjero, veíamos que todas las ferias de arte tenían una sección de arte independiente. Había muchos proyectos por Europa que apostaban por este arte en distintos formatos y decidimos que teníamos que hacer algo en Madrid. Vimos que no era tan complicado hacer un llamamiento”, cuenta Kato Daisuke. La acogida fue mucho mejor de lo esperado, lo que les “animó mucho a seguir”, recuerda Cuadra. Ahora, un sinfín de nombres de artistas locales y extranjeros han pasado por estos veinte metros cuadrados de bonito suelo ajedrezado [...]

︎Crítica académica en el marco del Máster del MNCARS
Abril de 2019

Título exposición: Volver a casa
Fecha: del 6 de febrero al 6 de mayo de 2019
Dirección: MNCARS. Edificio Sabatini, planta 3, Ronda de Atocha, 2, Madrid
Artista: Horace Clifford Westermann
Comisario: Beatriz Velázquez, Manuel Borja-Villel

Del irse, errar; del volver, habitar

El filósofo alemán Martin Heidegger escribió: “el hombre es en el mundo en la medida en que habita, y habita en la medida en que construye su habitación”. Sobre ese habitar y construirse una habitación pacífica, sobre la muerte que acecha trata la obra del incategorizable artista norteamericano Horace Clifford Westermann (Los Ángeles 1922 – Danbury, Connecticut, 1981), que expone el Museo Reina Sofía hasta el próximo 6 de mayo bajo el título de Volver a casa. La muestra recoge, en algo más de diez salas, ciento treinta obras profundamente singulares en escultura y dibujo, con un sentido cronológico puntualmente interrumpido, y con un fuerte carácter autorreferencial. Una exposición desde la que explorar una relato alternativo del arte estadounidense de posguerra, que es, también, la primera retrospectiva de Westermann en España, donde ha sido hasta la fecha un gran desconocido. Precio que pagan quienes no enfilan el camino predominante de su tiempo. La Terra Foundation for American Art, que ha apoyado esta exposición en el marco del Art Design Chicago, busca así difundir el patrimonio artístico de la ciudad, que con grupos como los Chicago Imagists, fue la clara competidora de las tendencias artísticas neoyorquinas durante la segunda mitad del siglo XX.

Irse, y errar -en su tercera acepción-, es casi lo que con más frecuencia hizo Westermann a lo largo de su vida. En la biografía del angelino leemos que trabajó con trenes en el Pacífico Noroeste, que se alistó a la Marina americana al estallar la Segunda Guerra Mundial, sirviendo a bordo del USS Enterprise como artillero antiaéreo en las campañas del Pacífico, de Guadalcanal y en la batalla de Midway. Que participó en la Guerra de Corea, cuando decidió abandonar definitivamente el ejército y adoptar una posición antimilitarista. Integró un dúo de acróbatas, lo que le llevó de gira por el sudeste asiático, y hasta ejerció de carpintero temporalmente, oficio que le “ponía de los nervios”, según él mismo declaró. Con la piel marcada por cientos de miles de kilómetros recorridos y varias heridas de guerra, Westermann se matriculó por segunda vez en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago con casi treinta años, comenzando una carrera artística que no cesaría hasta su muerte en 1981.

Es en el punto de su producción de comienzos de los años cincuenta, donde arranca esta muestra retrospectiva de temática incómoda pero cautivadora por el gran virtuosismo y extraordinaria calidad de las obras que la conforman. Alejado artísticamente de las corrientes predominantes de su tiempo, como el arte minimalista, el Pop art o el expresionismo abstracto, y geográficamente, desde un pueblo de Connecticut, Westermann ha sido conocido como el ‘ebanista virtuoso’, capaz de trabajar con preciosismo materiales como el metal de The Evil New War God (1958), o de Jack of diamonds (1981), el vidrio, la madera de su alabado monumento funerario Memorial to the Idea of Man If He Was An Idea o de la también antropomórfica talla He-whore (1957). Pero también el latón, oro, hierro, aluminio, y otros soportes.

Vista de la segunda sala, presidida por la obra Memorial to the Idea of Man If He Was An Idea (1958)

Tras una primera sala de obra pictórica que respira Bauhaus y vanguardia europea hija del exilio, nos topamos con los primeros productos de los horrores de la guerra vividos, que indudablemente marcaron su trabajo, aunque de forma menos explícita y más amable que en las insoportables pinturas de su coetáneo y también veterano de guerra Leon Golub. Así, encontramos la famosa serie de Death ships, recurrente durante toda su carrera y de motivación evidente. Estos barcos de diversa naturaleza están destinados a la tragedia: navegan errantes, sin tripulación, otros sin mástil, rodeados por aquellos escalofriantes satélites que eran los tiburones del Pacífico, y de cuya compañía disfrutaron cientos de sus compañeros.

Vista de la obra Death ship runover by a '66 Lincoln Continental (1966) Se observa también en su obra una preocupación por regresar al hogar, entendido como casa o incluso el propio cuerpo, amenazado por el internamiento y la muerte, así como una constante del hombre desolado: la tercera sala está repleta de ‘proyectos errados’ de casas, que presentan, no obstante, un valor escultórico notable. Más adelante hallamos esculturas de acróbatas, nudos de barco… El Swinging Red King, talla de gran tamaño y de potente color rojo, o la Machine for Calculating Risks son reflejo de los neuróticos pero opulentos años sesenta de  Guerra Fría, sociedad de consumo y medios de comunicación de masas. En salas contiguas encontramos correspondencia del artista con sus seres queridos, y una ácida serie de diecisiete litografías titulada See America First creada como campaña publicitaria para estimular el turismo dentro del país.

Algunas de las litografías de la serie See America First (1968)

Pero a pesar de ser un artista del margen, hoy existe cierto consenso sobre su influencia en el movimiento del arte funk que nació en la Bahía de San Francisco en los sesenta, o en posteriores generaciones de artistas neodigitales o de grafiti. Otros influenciados fueron Ruscha, Koons, o KAWS, quien de hecho es el propietario de algunas de las obras de esta muestra, y productor ejecutivo de un documental sobre el artista. En 1961, Westermann integró la selección de artistas del libro New Images of Man, que recogía grandes nombres de la figuración alternativa y que rezaba en su prefacio: “Estos artistas son conscientes de la angustia y el temor, de la vida en la que el hombre, precario y vulnerable, se enfrenta al precipicio, de la muerte y de la vida (...) Estas imágenes suelen ser aterradoras en su angustia”.

La obra de Horace Clifford Westermann trata, después de haber errado por medio planeta, de un habitar que progresa acompañado por el lento morir en vida. Aquella frase que escuchó decir a un suicida “I’m goin’ home” impactó decisivamente en la reflexión de su obra: la conquista del hogar únicamente llegaría con la muerte.

Mientras tanto, solo nos quedará errar, irnos para luego volver y construirnos un refugio lo más inofensivo y tranquilo posible. Ya lo dijo Enrique Vila-Matas: lo correcto, pase lo que pase, siempre es marcharse.︎

︎Artículo publicado en la sección Emprendedores de la versión digital de Forbes Spain

4 de junio de 2018

Lee el artículo completo aquí

Marco Dal Lago: “Arrancar una startup te roba hasta el último ápice de tu energía” 

El cofundador y CEO de CLARA Swisstech y ganador de varios premios europeos al emprendimiento nos acerca las claves y los grandes retos para comenzar un negocio

Desde Forbes España también levantamos la mirada hacia los jóvenes emprendedores de nuestro alrededor. Europa acoge una generación de jóvenes mentes brillantes que arrancan negocios sin perder de vista el impacto que generan en la sociedad.

Marco Dal Lago (Luino, Italia, 1990) es el confundador y CEO de CLARA Swisstech, una start-up que nació en 2015 con el objetivo de producir prendas de ropa con visibilidad especial para ciclistas y runners. Las piezas que se han diseñado hasta la fecha están provistas de un sistema inalámbrico de señalización con luces LED, que permite informar a otros usuarios de la vía de sus intenciones de detenerse, girar a la derecha o a la izquierda. El sistema que implementa CLARA pretende ser una solución para reducir las altas cifras de accidentados o muertos en condiciones de baja luminosidad urbana. Bajo el lema “fusionando moda y tecnología”, su iniciativa ha sido ganadora de varios premios al emprendimiento como el Grand Pro Möbius Suisse 2016 o Le Prix du Jeune Entrepreneur de 2016, además de ser una de las start ups apoyadas por la prestigiosa Mass Challenge UK. 

Tu definición de emprendimiento:

Detrás de cada punto en el proceso de emprender hay un mundo, y ser un emprendedor quiere decir que tienes la curiosidad y el método para resolver cada asunto de la mejor forma posible. Para mí, un emprendedor es alguien que siempre busca aprender cosas nuevas de cualquier materia y es curioso. Es alguien siempre positivo y optimista, porque ser negativo ni siquiera está en su cabeza. Un emprendedor nunca se queja, sino que sonríe ante las docenas de quejas que recibe a diario. Pero lo más importante que un emprendedor puede hacer es respetar a los demás y atraer el talento. Un emprendedor es capaz de conseguir todo esto sin dinero, es increíble. [...]